RETOQUE DE PIEL
IMAGEN FUERA DE LIMITE..
SILUETA DEL CABELLO Y MASCARA DE RECORTE EN TEXTO
martes, 5 de marzo de 2013
sábado, 2 de marzo de 2013
LOS DIFERENTES TRAMAS
TRAMA CONVENCIONAL AM:
Las tramas AM varían el tamaño del punto en una trama o lineatura determinada a fin
de cambiar el valor tonal. Cuanto más fina sea la trama, mayor es la frecuencia o el
número de puntos y más cercanas están las hileras de puntos. Las variables del
proceso de preimpresión y el tipo de máquina de imprimir limitan la lineatura de trama.
Es decir, el proceso de impresión condiciona qué tipo de lineatura de trama AM se
utilizará; no se trata únicamente de preferencias.
Está determinado que 45°, 75°, 90° y 105° son los ángulos ideales en las tramas para impresión.
La trama convencional de uso el offset y otros sistemas de imprimir consiste en una sucesión de puntos equidistantes entre sí y dispuestos a lo largo de una línea imaginaria que forma un determinado ángulo con la horizontal, ángulo que en impresión policroma ha de variar entre las tramas de las distintas tintas en 30º para evitar la superposición de los puntos y la aparición de unas formas geométricas que se conocen como “moiré”
TRAMA ESTOCASTICA FM: .
En el tramado estocástico, el tamaño del punto es constante pero la distancia entre ellos varía; es decir, cambia el número de puntos por unidad de área. En este tipo de trama, los puntos son ubicados de manera aleatoria sin ninguna dirección; por ende, sin angulatura.
Al estar distribuidos los puntos con una distancia variable y no fija, no existe frecuencia o lpi (líneas por pulgada), como en las tramas AM. En cambio, la finura del detalle de la reproducción la define el tamaño físico del micropunto.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
En el tramado estocástico, el tamaño del punto es constante pero la distancia entre ellos varía; es decir, cambia el número de puntos por unidad de área. En este tipo de trama, los puntos son ubicados de manera aleatoria sin ninguna dirección; por ende, sin angulatura.
Al estar distribuidos los puntos con una distancia variable y no fija, no existe frecuencia o lpi (líneas por pulgada), como en las tramas AM. En cambio, la finura del detalle de la reproducción la define el tamaño físico del micropunto.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
Al estar distribuidos los puntos con una distancia variable y no fija, no existe frecuencia o lpi (líneas por pulgada), como en las tramas AM. En cambio, la finura del detalle de la reproducción la define el tamaño físico del micropunto.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
TRAMA XM:
Las tramas AM varían el tamaño del punto en una trama o lineatura determinada a fin
de cambiar el valor tonal. Cuanto más fina sea la trama, mayor es la frecuencia o el
número de puntos y más cercanas están las hileras de puntos. Las variables del
proceso de preimpresión y el tipo de máquina de imprimir limitan la lineatura de trama.
Es decir, el proceso de impresión condiciona qué tipo de lineatura de trama AM se
utilizará; no se trata únicamente de preferencias.
Está determinado que 45°, 75°, 90° y 105° son los ángulos ideales en las tramas para impresión.
La trama convencional de uso el offset y otros sistemas de imprimir consiste en una sucesión de puntos equidistantes entre sí y dispuestos a lo largo de una línea imaginaria que forma un determinado ángulo con la horizontal, ángulo que en impresión policroma ha de variar entre las tramas de las distintas tintas en 30º para evitar la superposición de los puntos y la aparición de unas formas geométricas que se conocen como “moiré”
TRAMA ESTOCASTICA FM: .
En el tramado estocástico, el tamaño del punto es constante pero la distancia entre ellos varía; es decir, cambia el número de puntos por unidad de área. En este tipo de trama, los puntos son ubicados de manera aleatoria sin ninguna dirección; por ende, sin angulatura.
Al estar distribuidos los puntos con una distancia variable y no fija, no existe frecuencia o lpi (líneas por pulgada), como en las tramas AM. En cambio, la finura del detalle de la reproducción la define el tamaño físico del micropunto.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
En el tramado estocástico, el tamaño del punto es constante pero la distancia entre ellos varía; es decir, cambia el número de puntos por unidad de área. En este tipo de trama, los puntos son ubicados de manera aleatoria sin ninguna dirección; por ende, sin angulatura.
Al estar distribuidos los puntos con una distancia variable y no fija, no existe frecuencia o lpi (líneas por pulgada), como en las tramas AM. En cambio, la finura del detalle de la reproducción la define el tamaño físico del micropunto.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
Al estar distribuidos los puntos con una distancia variable y no fija, no existe frecuencia o lpi (líneas por pulgada), como en las tramas AM. En cambio, la finura del detalle de la reproducción la define el tamaño físico del micropunto.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
El tramado estocástico apareció a finales de 1980; sin embargo, hubo cierta reticencia en la adopción de esta tecnología por parte de los impresores, debido a que la transferencia de los micropuntos de la película a la plancha representaba un verdadero reto. Muchos micropuntos se perdían en el proceso. La llegada del CTP y la eliminación de la película le han dado oxígeno a esta tecnología y la convierten en un valor agregado.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
Existen dos tipos de tramas estocásticas, las de primer orden y las de segundo orden. En las tramas de primer orden, sólo el espacio entre los puntos es variado para reproducir los tonos originales. En las tramas de segundo orden, el tamaño y el espacio entre los puntos son modificados y generan un mayor apiñamiento de puntos.
TRAMA XM:
Para conseguir un tramado de alta resolución de forma
automática y sin que se generen artefactos, es necesaria
una combinación de técnicas. La solución requiere la
aplicación de tramado FM en las luces y las sombras
para captar los detalles más sutiles, y de tramado AM en
los tonos intermedios para conseguir degradados suaves.
Se precisa una transición suave e indistinguible entre
tramas. Deben tenerse en cuenta las limitaciones de la
prensa. Y, por último, el proceso debe ser productivo.
La tecnología de tramado por modulación cruzada (XM)
es la primera propuesta que consigue cumplir todos
esos requisitos. De hecho, con el método XM se utilizan
tramas FM en las zonas de luces y sombras y AM en
los tonos intermedios. Pero se utiliza una tecnología
patentada para la transición gradual entre tramas.
Calcula con precisión el punto de cambio en el que
ya no puede aplicarse el tramado AM a la imagen.
Por ejemplo, los puntos AM se hacen más pequeños
cuando se reproducen las zonas de luces, hasta que
se alcanza el tamaño de punto mínimo reproducible
en la prensa. A partir de ahí, los puntos se quitan de
la cuadrícula para obtener el tono deseado.
EL MUARE
EL MUARE:
La superposición de dos o más patrones de dibujos repetitivos (las tramas de semitono lo son) suelen producir la aparición de un nuevo patrón repetitivo no deseado. A este molesto y muy evidente patrón se le llama con el galicismo aceptado de muaré (en francés moirè).
Un caso de muaré: La superposición de líneas negras horizontales y en ángulo de 15º producen la aparición de unas aguas verticales no deseadas.
Es el típico efecto que habrás visto en la televisión cuando un presentador lleva una traje de pata de gallo o tweed. También se da cuando reproduces lo que algúnos llamán eufemísticamente "un original ya impreso" (es decir, copiar una foto que ya fue impresa).
Otro muaré: Verás motivos más o menos curvos que se repiten. No existen. Sólo hay rayas negras que se entre cruzan (los circulos blancos están para facilitar la visión).
El muaré no es un fenómeno independiente del tamaño del objeto que lo sufre. Al contrario, está en relación absolutamente directa. Esto quiere decir que una fotografía que muestra muaré reproducida en un monitor con una resolución de 1024 × 768 píxeles puede que no lo muestre si la reducimos un poco y que lo vuelva a mostrar si la seguimos reduciendo.
Como el muaré es el conflicto que se da entre dos motivos repetitivos, si la relación de tamaño entre esos motivos varía, el muaré aparece o desaparece de forma poco predecible. Esto quiere decir que ante una imagen que podría mostrar muaré al ser impresa, la única manera de saber si lo va a sufrir o no es imprimirla al mismo tamaño y lineatura a la que se quiere reproducir. Lo que vemos en el monitor no sirve. Lo que saquemos impreso a una lineatura y tamaño distinto, tampoco.
Cómo combatirlo
Aunque hay casos en los que no es posible eliminarlo, el muaré se evita ante todo con la variación de los ángulos de las tramas, alterando la lineatura y con la superposición acertada de las tramas para que formen un pequeño motivo llamado "roseta". El uso de las tramas estocásticas también sirve para eliminarlo, ya que no hay 'tramas' que entren en conflicto.
Una imagen que sufre muaré podría perderlo si ampliamos un poquito su lineatura o si la desplazamos levemente. Otra manera puede ser reproducirla con menos colores (en escala de grises), …
Otra solución puede ser desenfocar levemente en esa zona uno de los canales de color de la imagen. siempre que el sujeto de la imagen lo permita, obviamente.
EL CTP Y EL CTF
El CTP es un proceso digital, mientras que su antecesora, la fotomecánica era una técnica basaba en un proceso químico. El término CTP traduce al español “ del computador a la plancha “ también llamado “ directo a plancha “.
El CTP utiliza dos tecnologías: la violeta, donde un láser de color violáceo quema la superficie de la plancha. La segunda es la térmica o termal.
Se pueden establecer tres tipos distintos de CTP
1. De tambor externo: La placa se coloca en un tambor que esta a la vista (muy usado en CtP térmicos que no necesitan protección a la luz, estos CtP son manuales y un operario debe poner y sacar cada placa y luego ingresarlas en el revelador.
2. De tambor interno: El método más comun actualmente. La placa ingresa a dentro del CtP donde es filmada, ideal para los CtP con láser violeta. Ocupan poco espacio y además incluyen la posibilidad de incorporar el revelador y hasta un cargador de placas automático para que el proceso de la placa sea completamente automatizado. Tambor interno, en ambiente con luz amarilla. La emulsión en este caso es puesta mirando hacia abajo.
3. De cama plana: Los más usados en grandes imprentas. La placa se filma derecha y el láser es el que se mueve. Es muy usado en imprentas que necesitan mucha cantidad de placas en poco tiempo.
Así mismo se pueden diferenciar dos tipos de planchas distintas:
1. De base metálica: Se caracterizan por su alta durabilidad. Pueden imprimir más de un millón y medio de tirajes. Se dividen en tres variedades ( térmicas, de luz visible y ultravioleta ). La diferencia entre estas es la fuente de energía que se utiliza exponerlas. Este tipo de planchas son las más aceptadas en la actualidad.
2. De base de poliéster: Son planchas más económicas y de fácil implementación. pero igualmente más delicadas, por lo cual permiten menos tirajes ( menos de 20.000 ).
Ventajas de CTP
1.- Las planchas ctp se registra de forma precisa, por lo que no requiere de pines de registro como con las películas.
2.- Utiliza trama estocástica, que permite reproducciones de medios tonos y tramas de mayor calidad.
3.- El registro es perfecto, lo que garantiza una reproducción correcta del color.
Hoy ya esta acuñado el término Computer to Print "CTPrint" del computador al producto impreso, en este proceso la imagen latente a imprimir es enviada por el computador y generada en cada unidad de la prensa y en cada rotación del cilindro impresor. Cada impresión puede ser distinta, ya que es posible con esta tecnología mesclar bases de datos para la personalización en texto e imagen.
EL CTF:
Computer to Film (CTF) es un método de impresión Offset que implica la impresión desde un computador, directamente a una película. Esta película posteriormente es copiada sobre una placa litográfica, usando un insolador para luego usar la placa insolada en una prensa offset.
El proceso de copiado (llamado también quemado de plancha) de una película a una placa litográfica requiere de un ambiente libre de partículas que puedan afectar el copiado, así como una controlada entrada de luz (las placas se revelan como una fotografía). Para realizar su trabajo correctamente, el operario debe contar además con una serie de herramientas como pines para alinear la imagen, una escala de densidad y los químicos de revelado y fijado de la imagen.
El proceso de película se ha visto reemplazado por la tecnología CTP (Computer to Plate) por las múltiples ventajas que representa; aunque no se podría afirmar que el sistema CTP llegue algún día a reemplazar completamente el uso de películas negativas.
fotografia.
Tipos
de cámaras
Las cámaras son dispositivos capaz de capturar
imágenes. Estas conformadas por un compartimiento oscuro y cerrado con un
orificio en el extremo para que la luz tenga ingreso y un juego de lentes que
permiten enfocar y tener control sobre la luminosidad.
Algunos tipos de cámara son:
CÁMARAS COMPACTAS DE 35MM: esta clase de cámaras fotográficas se
caracteriza por contar con una pantalla óptica directa, y un objetivo que no es
posible intercambiar. Son de bajo costo y las más utilizadas a nivel mundial.
CÁMARAS APS (Advances Photo System): las cámaras APS surgieron como una
alternativa referida a la unificación del sistema digital y el analógico. Esto
es así, ya que la imagen se imprimía sobre la película, y era posible sumarla a
la misma información de tipo digital.
Esta clase de cámaras, además, contaban con la opción de fotografiar en
tres formatos diferentes, como son el común, el de alta definición y el
panorámico. También permitían cambiar la película cuando esta se encontraba en
la mitad de su uso.
Actualmente las cámaras APS no se fabrican más.
CÁMARAS RÉFLEX SLR (Single Lens Reflex): éstas tienen la particularidad
de disponer de un juego de espejos, los cuales permiten que la imagen que ve el
individuo a través del visor sean las mismas que se capturarán.
Como consecuencia, le proporcionan al fotógrafo la oportunidad de
controlar cada elemento, distancias, sobras etc, que tienen lugar en la foto.
Además, las cámaras reflex SRL cuentan con una gran variedad de accesorios, a
ser utilizados según los propósitos de la persona.CÁMARAS DIGITALES: con este
nombre se denomina al dispositivo de carácter electrónico capaz de capturar y
guardar fotografías electrónicamente, es decir, sin la utilización de
películas, características de las cámaras comunes.
Algunas cámaras fotográficas que no son de uso masivo son:
CÁMARA TLR (Twin Lens Reflex): este tipo especial de cámara cuenta
con objetivos gemelos, tal como su nombre lo indica. Fueron creadas para
solucionar el inconveniente que presentan las cámaras de visor reflex, que
consiste en que la imagen no se observa en el momento del capture. Solo algunas
disponen de objetivos intercambiables, y actualmente son de muy poco uso.
CÁMARA DE ESTUDIO O DE BANCO: esta clase de cámara se encuentra
empalmada en raíles con el fin de que el camarógrafo pueda realizar toda clase
de planos y controlar la imagen y la profundidad de campo a su antojo.
CÁMARA MINIATURA: las cámaras en miniatura son fabricadas en menor
dimensión en comparación con las cámaras convencionales. Suelen ser empleadas
para el espionaje y cuentan con un formato singular.
CÁMARA SUBACUÁTICA: esta clase de cámaras tienen un diseño especial que
le permite al fotógrafo capturar imágenes bajo el agua.
TIPOS DE LENTES
Muchas cámaras usan
lentes intercambiables. La diferencia en estos lentes reside en la longitud
focal, que no es mas que la distancia que existe entre el centro óptico del
lente y el punto donde este enfoca (el plano de foco).
La longitud focal es
lo que determina cuan cerca o cuan lejos aparecen los objetos cuando la imagen
se proyecta en la película o el sensor. Esto es lo que se conoce como
aumento. La potencia de este aumento se mide en milímetros.
Ademas de esto, la
longitud focal determina que parte de la escena es visible o lo que se
conoce como angulo visual.
Todos estos elementos
determinan como el observador ve el trasfondo y el objeto fotografiado.
Cuando un fotógrafo
habla de la velocidad de sus lentes, simplemente se refiere a la cantidad
de luz que se trasmite a través del lente hasta el sensor o la película.
Una apertura grande
(f4 por ejemplo) permite que entre mas luz que una apertura pequeña (f16).
Mientras mas rápido es el lente mas caro es.
Existen básicamente
tres tipos de lentes en la fotografía moderna.
El lente normal que
proyecta una imagen que se parece mucho a lo que el fotógrafo ve con sus propios
ojos sin mirar a través de la cámara. Un lente entre 40 y 55mm es lo que se
conoce como un lente estándar para una cámara de 35mm o DSLR.
El telefoto por
el otro lado, permite que el fotógrafo capture la luz desde grandes distancias
y que los objetos aparezcan estar mas cerca de lo que realmente están. Los
lentes entre 70-105mm son considerados telefotos cortos y se les conoce
a veces como los lentes para retratos, puesto que son los lentes ideales
para fotografías desde los hombros hacia arriba.
Un lente de 200mm es
el telefoto mas común. Los paparazzis, fotógrafos deportivos y los observadores
de aves utilizan por lo general telefotos de alrededor de 400
a 600mm.
Finalmente, los lentes gran-angular son
el lado opuesto de los telefotos y hacen que la escena aparezca mucho mas de
lejos de lo que esta en realidad pero tiene como ventaja que el campo visual
es mucho mas grande. Los lentes de menos de 35mm son considerados
gran-angular. Los lentes alrededor de los 24mm se consideran
ultra-gran-angular.
Actualmente, el mercado
se ha abocado a dos tipos principales de lentes: los lentes de longitud
focal fija (Primordial) y los lentes Zoom. Estos últimos le permiten
variar la longitud focal (y por lo tanto el angulo visual) mientras que el
foco permanece constante.
Los lentes Zoom tienen
diferentes longitudes focales, como ya dijimos, y esta puede ser cambiada
mediante uno de los anillos en el lente. Anteriormente todos los lentes
zoom eran telefotos por lo que muchas personas usan los términos para significar
la misma cosa. Esto es un error, puesto que hoy en día existen lentes zoom
que van desde gran-angular hasta telefoto.
Usted puede haber oído
hablar de un lente macro. Estos son utilizados para macro-fotografía o
de acercamiento. Estos lentes tienen las mismas características de los
lentes normales, pero permiten enfocar mucho mas de cerca al sujeto.
Estos lentes tienen por lo general una longitud focal de 50/55mm o
90/100/105mm. Mientras mayor sea la longitud focal mas lejos podrá usted
colocarse del sujeto.
Los lentes Ojo
de Pescado o “Fisheye” se parecen a los ojos de los peces y tienen
un angulo visual de casi cerca de los 180 grados. Las fotos que se obtienen
con estos lentes siempre muestran distorsión en los bordes de
la foto.
APERTURA DEL
LENTE
El diafragma es
el estrechamiento variable por medio de un sistema de láminas finas que,
situado entre las lentes del objetivo , permite graduar la cantidad de luz que
entra a la cámara. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el
objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de
forma ajustable. Las progresivas variaciones de abertura del diafragma se
especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura
efectivo.
el llamado numero
f, que nos indica la luminosidad del objetivo, o sea, la capacidad del
mismo de meter luz a la cámara, a traves del diafragma
El numero
f puede venir expresado de dos formas:
1. Ofreciéndonos los
valores máximos de apertura del diafragma para 2 focales, por
ejemplo: 1:3,6-5,6. Normalmente se da en objetivos con zoom. Siendo
el primer numero la mayor apertura correspondiente a la focal más angular y el
segundo la máxima apertura para la focal más larga (tele)
2. Ofreciéndonos un
valor único de apertura, por ejemplo 1:2, que se da en objetivos
fijos, aunque también podemos encontrar algún objetivo zoom de valor de
apertura fijo. Los objetivos fijos suelen ser más luminosos que los objetivos
zoom y por tanto de mejor calidad.
Como veis el numero f
siempre viene representado de esta forma 1:xx, siendo 1 la mayor capacidad de
meter luz que puede tener un objetivo y siendo el siguiente número la capacidad
máxima del objetivo que tenemos.
Cuanto menor es ese
número, es decir, cuanto más se acerca al 1, más luminoso es un objetivo.
Aunque hay muchos factores de los que depende la calidad de un objetivo,
normalmente, este se considera mejor cuanto más luminoso sea. Es evidente que
cuanto más luminoso sea mayores posibilidades de juego para el fotógrafo a la
hora de ajustar la exposición en condiciones deficientes de luz.
Para regular la
entrada de luz a la cámara podemos modificar o bien la velocidad de obturación
o bien la apertura del diafragma. Para modificar la apertura, lo haremos con la
cámara en modo manual o bien enmodo prioridad a la apertura (A o Av).
Según el numero que coloquemos pasará más o menos luz a la cámara.
Las distintas
combinaciones entre velocidad de obturación y apertura nos darán las claves
para el correcto manejo de una cámara en manual, que veremos en el siguiente
capítulo del curso.
Por ultimo decir que
la apertura tiene consecuencias directas en la nitidez de la imagen
final y sobre todo en la profundidad de campo de la misma. Pero esto
lo veremos en el siguiente articulo junto a los ejemplos prácticos.
VELOCIDAD DEL DISPARO
Velocidad de disparo,
es un término usado en fotografía para referirse
al tiempo que el obturador se mantiene abierto desde que se dispara la foto, es decir, el
tiempo durante el cual estará entrando luz por el objetivo. Se usa para tratar
el tiempo de exposición.
La velocidad de disparo es uno de los métodos para manipular los efectos
visuales de la imagen final más allá de su luminosidad. La selección de
diferentes velocidades de disparo dará lugar a otro tipo de efecto visual en
una fotografía final. El movimiento no siempre es malo. Hay momentos que el
movimiento es bueno. Por ejemplo, cuando se hace una foto de una cascada y se
desea mostrar lo rápido que se desliza el agua, o cuando se hace una foto de un
coche de carreras y se desea dar sensación de velocidad, o cuando se hace una
foto al cielo por la noche y se desea mostrar el movimiento de las estrellas en
un período más largo de tiempo. En todos estos casos la elección de una
velocidad de disparo más prolongada será el camino a seguir. Sin embargo, en
todos estos casos es necesario utilizar un trípode. La mayoría de la gente
relaciona “lento” con desenfoque de una imagen, pero a veces puede crear un
impacto visual más potente que las imágenes hechas con la congelación de alta
velocidad de disparo.
Una operación de la cámara en modo manual requiere que se establezca la
velocidad de disparo y el diafragma en la lente de forma manual. Aun así,
existen otros modos que permiten tener una de las dos opciones automáticas:
- Con prioridad de
disparo AE: Un modo de exposición con que le permite seleccionar la
velocidad deseada y la cámara entonces establece el valor de apertura a
juego para una exposición correcta. Si cambia la velocidad de disparo, o
los cambios de nivel de luz, la cámara ajusta la apertura en consecuencia.
- Con prioridad de
apertura AE: Un modo de exposición que le permite ajustar la abertura,
mientras que la cámara ajusta la velocidad de disparo para una correcta
exposición. Si cambia la abertura, o los cambios de nivel de luz, la
velocidad de disparo cambiará automáticamente.
En la mayoría de los casos, prioridad de apertura AE es generalmente
representado por una "A" y prioridad de disparo AE está representado
por "Tv" o "S”.
La lista siguiente proporciona una visión general de los usos comunes de
fotografía para velocidades de disparo estándar.
- 1 / 16000: La
velocidad más rápida disponible.
- 1 / 8000: La
velocidad más rápida disponible en la producción de SLR cámaras a partir
de 2009. Se utiliza para tomar fotografías nítidas de sujetos en rápido
muy, como las aves o los aviones, en condiciones de buena iluminación, con
un número ISO de 1000 o
más y una apertura de la lente de gran tamaño.
- 1 / 4000: La
velocidad más rápida disponible en los consumidores cámaras SLR a partir
de 2009. Se utiliza para tomar fotografías nítidas de sujetos en rápido,
como los atletas o vehículos, en condiciones de buena iluminación y con
una sensibilidad ISO de hasta 800.
- 1 / 2000 y /
1000: Se utiliza para tomar fotografías nítidas de sujetos en rápido
moderadamente bajo condiciones normales de iluminación.
- 1 / 500 y / 250:
Se utiliza para tomar fotografías nítidas de personas en movimiento en situaciones
cotidianas.
- 1 / 125: Esta
velocidad, y los más lentos, ya no son útiles para el movimiento del punto
de congelación. 1 / 125 se utiliza para obtener una mayor profundidad de
campo y la nitidez general de la fotografía de paisaje y también se usa para
desplazar disparos.
- 1 / 60: Se
utiliza para desplazar tomas y las imágenes tomadas en condiciones de poca
luz.
- 30.1: Se utiliza
para desplazar objetos en movimiento a menos de 30 millas por hora (48
km/h) y de la luz fotografías disponibles. Las imágenes tomadas en este y
velocidades más lentas requieren normalmente un trípode de cámara de otro
tipo de apoyo o ser fuerte.
- 1 / 15 y / 8:
Este y velocidades más lentas son útiles para otras fotografías que son
panorámicas en el desenfoque de movimiento se emplea para el efecto
deliberado, o para tomar fotografías nítidas de sujetos inmóviles bajo
malas condiciones de iluminación con un apoyo del trípode de cámara.
- 1.4 s, 1 / 2:
También se utiliza principalmente para efectos de desenfoque de movimiento
y/o fotografía con poca luz, pero sólo la práctica con un apoyo del
trípode de cámara.
- De 1 minuto a
varias horas: se utiliza con una cámara fija mecánicamente en
astrofotografía y para ciertos efectos especiales.
Es indiferente la combinación de tiempo y cantidad de luz, siempre y
cuándo la cantidad de luz sea la correcta junto con el tiempo. La mayoría de
las cámaras SLR convencionales tienen un marcado la velocidad de disparo en el
panel superior del cuerpo de la cámara para ajustar la velocidad del obturador,
aunque eso depende mucho del diseño de la cámara.
SENSIBILIDAD ISO
A medida que voy
teniendo más tiempo para jugar con la Canon 450D, he tenido que ir aprendiendo
los conceptos básicos de la utilización de una cámara réflex digital. A pesar
de ser una reciente adquisición y con poco uso, me considero que empiezo a
saber moverme en modo AV/TV sin mucha
dificultad (aún no tuve necesidad impetuosa de tirar en M).
Últimamente me he
propuesto, ahora que se acercan las vacaciones, a hacer fotografías en unas
condiciones un poco más complicadas que a plena luz del día; por ejemplo, un
concierto. Me gusta ir a conciertos de grupos pequeños que no se han dado a
conocer y que, no en pocas ocasiones, tienen una calidad excelente. Entre
que LMBlogs me
lleva gratis (a cambio de tirar unas fotos) y que Álvarosiempre
me anima (y, de hecho, es quien consigue las entradas) voy en cuanto puedo.
Aunque suene obvio,
podemos hacer las fotos de dos maneras: con o sin flash. Si las
tiramos con flash, es evidente que el tiempo de obturación va a ser
menor y probablemente lo que queríamos fotografiar salga
congelado (que esa es la intención, ¿no?). Sin embargo, la desventaja es
que estamos perdiendo el “sabor” que tendría la sala del concierto: la
iluminación (ejemplo). Y teniendo en
cuenta que, en mi caso, el flash que utilizo es el integrado de la cámara, no
puedo jugar demasiado.
Me propuse, entonces,
sacarlas sin flash, y es aquí donde entra el tema del que hablaba en el título.
La opción es moverte con los tiempos de obturación, encontrando el tiempo
oportuno para recoger la suficiente iluminación y que el/los sujetos no salgan
movidos. Sin embargo, había algo que descuidaba y que no solía fijarme demasiado:
la ISO, que siempre la dejaba en auto y cuando llegaba a casa me fijaba en la
pantalla grande que no fue buena idea.
Pero, ¿qué es la sensibilidad
ISO? Para que nos entendamos, en cristiano, viene ser la sensibilidad
que tiene el sensor de nuestra cámara para recoger la luz. Básicamente,
entre mayor sea el valor ISO, mayor será esa reacción (y, por tanto,
recogeremos más luz).
Siguiendo esa regla,
¿por qué no utilizar siempre ISOs altas? Nuestra reacción lógica sería hacer
eso porque, además de conseguir más iluminación, obturará más
rápido y nuestros sujetos aparecerán congelados. Pero no, no es así: un
elevado valor ISO provocará más ruido en nuestras
fotos:
En estas comparativas
(siento no poner la fuente, lo tenía guardado hace tiempo) podemos ver como se
degrada la imagen a medida que vamos subiendo pasos de sensibilidad ISO. Cierto
que no son imágenes oscuras como la situación que os ponía como ejemplo unas
líneas más arriba, pero os podéis imaginar que en ese caso sería algo así:
Ahí sí que nos
podríamos hacer a la idea, y tendremos claro que a mayor ISO, mayor será
el ruido (y bastante notable, por cierto) en nuestras fotografías,
haciendo que la calidad acabe siendo desastrosa.
Es importante tener en
cuenta que los valores como la apertura, velocidad, exposición, salir antes de las 6
de la tarde (;-))… son prioritarios antes que tirar de la ISO alta (más allá
de ISO 400). Podremos obtener la imagen que deseamos sin necesidad de
degradarla de forma gratuita. La ISO alta deberá utilizarse única y
exclusivamente en situaciones en las que, por no disponer de trídode, tiempo o
cualquier otra razón de peso, no tengamos más remedio y haya que hacerlo así,
sin olvidar que siempre repercutirá en el resultado final.
Espero que con esto
haya quedado claro la utilización correcta de la sensibilidad ISO, hayamos
comprendido un poco más el funcionamiento de nuestra réflex digital, aunque sea
de manera muy básica, y evitemos algunos errores típicos de novato (como yo).
NOTA: Es mi
primer artículo sobre fotografía y puede haber evidentes fallos, pues he ido
escribiendo a medida que me he ido acordando de lo que he leído anteriormente y
de mi escueta experiencia. Cualquier crítica será más que bienvenida. Por otra
parte, decir que las cámaras están evolucionando a ritmo frenético (como toda
tecnología) y el tema de las ISOs altas cada vez se va mejorando más (de hecho,
una Mark II puede tirar a
1600 casi casi sin problemas), pero el consejo sigue siendo el mismo: ¡intenta
evitar siempre que sea posible ISOs altas!
PROFUNDIDA DE CAMPO
Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular,
la zona en la cual la imagen captada por elobjetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que
se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona
aparecerán también nítidos.
Una definición más completa y exacta sobre la profundidad de campo
sería : La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del
plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente
nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.
Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de
la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad
resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.
La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. Se ha
dicho anteriormente que la distancia focal no varía, por lo que la profundidad
de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia
proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia.
Si en vez de
observarlas de esta forma, las observamos a la distancia proporcional al tamaño
de la copia, resulta que tendría más profundidad de campo la copia del formato
más grande ya que la observamos más lejos también, cosa contraria a lo que se
cree. Pero resulta que como para mantener la misma angulación hay que utilizar
ópticas con más distancia focal y resulta que
ese parámetro es de mayor influencia en la profundidad de campo, al final tiene
más el formato menor, pero por poco. Esta diferencia se incrementa cuando las
observamos a la misma distancia, ya que de esta forma sólo influye la distancia focal.
1. La Profundidad de
campo sólo existe en el contexto de una reproducción. No es una propiedad
intrínseca de un lente y depende de valores de apreciación subjetivos.
2. La
frase aceptablemente nítida se refiere a la zona que rodea el plano
de la imagen que está en foco. Todos los puntos en una fotografía están fuera
de foco en cierta medida (aunque no sea obvio), solo un plano está
perfectamente enfocado. Los límites de la profundidad de campo son precisamente
donde la falta de nitidez se vuelve inaceptable para el observador.
La profundidad de
campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino
la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano
nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco cuán
borrosos estarán los planos alejados del plano nítido, una confusión común.
La profundidad de
campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más
cerrado se encuentra el diafragma o lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido. Por ejemplo, con un diafragma de f5,6 la profundidad de
campo no será muy amplia, mientras que con un diafragma de f11 o de f16 será
considerable.
Por otra parte, cuanto
más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la
profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. Si se
utilizan teleobjetivos también se reduce la profundidad de campo. Pero con objetivos
angulares, la profundidad de campo aumenta.
EFECTO DEL
ACERCAMIENTO O ZOOM SOBRE LA PROFUNDIDA DEL CAMPO
2. Plano General Corto.
El Plano General Corto se centra en los individuos restando importancia
al entorno. Aún se puede intuir la situación en la que están los sujetos, pero
este aspecto es ya mucho más secundario.
3. Plano General Conjunto.
El Plano General Conjunto reduce el campo visual y encierra los
personajes en una zona más restringida, de forma que puede ir individualizando
cada objeto o sujeto de forma más precisa. Cuando se fotografían personas, este
tipo de plano alcanza a capturar la figura completa ajustada a los bordes de la
imagen.
4. Plano Entero.
Los pies y la cabeza de la figura humana limitan prácticamente con los
bordes inferior y superior del cuadro de la imagen.
5. Plano Medio o De Cintura.
Como su nombre lo indica, es el plano intermedio por excelencia. Se
produce a la altura de la cintura, y empieza a ser considerado un plano de
retrato.
Con el plano medio cedemos más importancia todavía a los aspectos
emocionales del sujeto. En esta ocasión cortamos a los personajes por encima de
la cintura. En este plano influirá el hecho de hacer la fotografía en formato
vertical u horizontal. Eligiendo el primer caso, el personaje ocupará la gran
mayoría de la escena y el fondo pasará desapercibido.
6. Plano Medio Corto.
Plano medio corto encuadre de una figura humana cuya línea inferior se
encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los
anteriores.
Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su
cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los
actores.
Se llama plano medio corto si la toma se hace desde la altura del busto
a la parte superior de la cabeza.
7. Plano Americano.
Es un plano americano si el corte de realiza aproximadamente,
a la altura de las rodillas.
Tiene su origen con las películas del oeste, y no fue hasta entonces
cuando se comenzó a hablar de este plano como tal. Apareció porque se requería
un tipo de plano medio que capturase al sujeto con desperdicio del fondo pero
que permitiese ver el desenfunde del revolver.
8 El Primer Plano.
El primer plano es el perfecto para el retrato del rostro.
Agranda el detalle y miniaturiza el conjunto de la escena, eliminando de
una vez por toda la importancia del fondo.
Es tremendamente útil recurrir a encuadres verticales, reservando los
horizontales para cuando tomemos imágenes en las que el rostro se acompaña con
gestos de las manos o queramos jugar con el aire de la imagen.
9. Primerísimo Primer Plano.
La cabeza llena aproximadamente la pantalla.
El primerísimo primer plano suele caracterizarse por la desaparición de
la parte superior de la cabeza y la fijación del límite inferior en la barbilla
del personaje. La carga emotiva se acentúa y la atención en el personaje es
prácticamente total.
10. Plano De Detalle.
El Plano Detalle es el plano más cercano.
Como ocurría con otro tipo de planos, el contexto de la escena definirá
que se trate de un plano detalle o no. De esta forma, una imagen de la Torre
Eiffel puede ser un primer plano de la torre o un plano detalle de la ciudad.
Este tipo de planos son difíciles de emplear con acierto, ya que pueden
confundir al espectador al no dar referencia alguna ni del entorno ni siquiera,
del propio sujeto. Los detalles se agrandan al máximo y la carga emocional
alcanza su punto álgido.
El plano detalle suele confundirse con el concepto de foto macro, y no
es lo mismo. Como su nombre indica, el plano detalle muestra un pequeño detalle
que, en un plano "normal" pasaría desapercibido.
El ángulo de una fotografía es la inclinación con respecto al suelo, de
una linea imaginaria que se genera al fotografiar a un sujeto. Repasemos ahora
los distintos ángulos que podemos emplear al realizar una captura determinada:
1.
A Nivel o Normal: Como su mismo nombre lo indica, es cuando
realizamos la fotografía desde el mismo nivel del sujeto al que
fotografiamos. Es la posición más natural al momento de hacer una fotografía y
la más común. Siendo un poco más explícitos, se puede decir que la línea
entre el sujeto y nuestra cámara, es paralela al suelo. En algunas situaciones,
como por ejemplo una mascota o un niño, para lograr este tipo de angulo es
necesario agacharse para estar al nivel del sujeto. Generalmente sirve
para mostrar o describir algo de manera natural u
objetiva y transmite una sensación de estabilidad y tranquilidad, por
ser la forma natural en que observamos el mundo.
2.
En Picado: En este caso, se realiza la toma de la escena desde una
posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. En este
tipo de fotografía la perspectiva que se produce produje que el sujeto se vea
disminuido en tamaño. En general, este ángulo se usa como recurso
compositivo para restar importancia o transmitir una sensación de debilidad o
humillación. En casos de paisajes permite incrementar la sensación de
profundidad. Muy usado en fotografía de niños y fotografía documental para
mostrar la vulnerabilidad del sujeto.
3.
En Contrapicado: Obviamente es opuesto al anterior, en este caso la
fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo fotografiado,
quedando este más alto que la cámara. La perspectiva que se genera, muestra al
engrandecido visualmente, con lo que selogra transmitir mayor importancia y una
posición dominante en relación al espectador. Básicamente se emplea, para
fotografía arquitectónica y para deportes extremos, pero esto no es una regla
fija, y también se puede emplear en otros casos logrando efectos creativos muy
interesantes.
4.
En Cenital: Podríamos catalogarlo como un caso específico del ángulo de
picado, donde lo llevamos a su punto más extremo, y es justamente lo que
sucede. La imagen se toma desde en un ángulo completamente perpendicular,
de arriba hacia abajo, con respecto al suelo. Produce escena sin perspectiva,
que puede resultar bastante descriptiva en el caso de pequeños objetos, pero
generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy
común emplear este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso
compositivo puede servir para explorar la creatividad.
5.
En Nadir: Cuando el ángulo en contrapicado lo llevamos a su punto
extremo, obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su uso incrementa la sensación
de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de
grandeza ante lo que el espectador observa. Ideal para fotografía de altos
edificios los cuales por sus mismas geometrías añaden gran profundidad a la
escena.
La elección de un tipo de ángulo u otro influye directamente en la
percepción subjetiva del espectador respecto a una imagen. Por lo
tanto, emplear uno u otro produce un efecto distinto y se deben realizar
conscientemente. Cabe destacar que el uso de los ángulos listados anteriormente
no se reduce a los ejemplos y situaciones que allí se mencionan, recuerden que
una vez que conozcamos las reglas de la
fotografía, entonces podemos poner en marcha la creatividad asumiendo que la mejor regla es la
que dice que no hay reglas. En fin, siempre es útil
experimentar y observar los resultados obtenidos. Como consejo personal les
digo que siempre que estemos haciendo una toma intentemos hacer la captura
desde distintos ángulos, ya que eso nos permitirá salirnos de la rutina.
Composición fotográfica
En fotografía,
ya sea fija o en cine,
la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos
dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro.
La
perspectiva, el horizonte, la diagonal, la "A", la imagen horizontal,
la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el
equilibrio, son elementos a tener en cuenta a la hora de componer el cuadro,
estos conceptos vienen originalmente de la pintura.
En
cine, a diferencia del teatro o
de la fotografía tradicional, la posibilidad de variar la posición de la cámara
para seguir el desarrollo de la acción y resaltar distintos aspectos de la
escena le da un nuevo nivel de significado al encuadre. De ese modo también
participa del montaje,
generándose el denominado montaje dentro del plano.
La
composición de una fotografía es un arte y como tal no existen reglas ni
limitaciones que hagan que una determinada composición sea mejor que otra; no
obstante, basándose en los elementos comunes conocidos respecto al modo en que
los seres humanos percibimos y subjetivizamos las imágenes se han documentado
una serie de guías que todo fotógrafo debería conocer y tener en cuenta para
mejorar la transmisión de los elementos objetivos y subjetivos del tema y
motivo de la imagen al espectador.
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